Rencontre avec Kim Chong-hak

Carte blanche à Kim Chong-hak

Musée Guimet

Jusqu’au 1er octobre 2018

 

Le peintre coréen Kim Chong-hak, surnommé « le peintre des quatre saisons », est très populaire en Corée mais demeure peu connu en Europe. Il est le sixième artiste choisi par le MNAAG pour une « carte blanche ». Rencontre avec l’artiste, qui investit la rotonde du quatrième étage et les collections permanentes coréennes, pour une carte blanche aussi colorée que surprenante.

C’est sous le signe de la couleur que s’inaugure au printemps cet ensemble contemporain constitué d’une douzaine de toiles aux accents lyriques, où le paysage est tantôt identifiable, tantôt traité comme une source d’inspiration ornementale ; l’oeuvre de Kim Chong-hak traduit une immense énergie et un puissant respect pour la tradition coréenne de la période Choson (1392-1910), où le thème des saisons était très prisé. Les arts populaires, dont la broderie, alimentent également le travail du peintre. Le musée national d’art contemporain de Corée consacrait à l’artiste une rétrospective en 2011 ; en 2018, le musée national des arts asiatiques – Guimet lui rend hommage en lui confiant cette nouvelle Carte blanche.

Kim Chong-hak – né en 1937 en Corée du Nord – cultive un sens de la couleur et du figuratif qui se démarque des peintres du Dansaekhwa dans les années 1970, davantage tournés vers le monochrome. Le thème de la végétation, fleurs de printemps ou d’été, jouant d’une palette vibrante, investit en totalité l’espace de ses toiles, avec un certain goût pour l’abondance colorée. Son engouement pour la nature est caractéristique de son travail. Dans Sauvagerie primitive (2017), Kim Chong-hak élève une humble prairie en fleurs à des dimensions monumentales, où l’espace pictural apparaît saturé de touches épaisses sans la moindre respiration ; fleurs, papillons, oiseaux, araignées, punaises et scolopendres peuplent l’oeuvre. Son lyrisme non sans humour flirte avec l’abstraction ; l’artiste met au premier rang la couleur, moteur de son oeuvre. Dans un entretien, Kim Chong-kak confie que pour lui « la couleur est au moins la moitié de la peinture ».

La Carte blanche à Kim Chong-hak investit également les galeries coréennes du 2e étage ; les oeuvres de l’artiste y dialoguent avec les oeuvres des collections dans lesquelles l’artiste puise largement son inspiration. Kim Chong-hak, qui allie à sa carrière d’artiste un goût de collectionneur et connaisseur averti, présente quelques meubles de la période Choson issus de sa collection personnelle. Son grand paravent peint par l’artiste réinterprète les codes de l’art de la broderie coréenne et trouve tout naturellement place dans la rotonde.

***

La matière semble très importante dans votre travail. Quel rapport entretenez-vous avec elle ?

La matière est indissociable de la couleur, de la ligne, du trait. On ne peut donc pas parler de la matière seule. Dans ma façon de peindre, tout est lié, tout se mélange de manière indistincte. Dans certaines toiles, il y a beaucoup de matière et il m’arrive même effectivement de la gratter, de l’inciser avec le manche de mon pinceau. Dans d’autres, il y en a moins. Je n’ai pas de recette, de formule préétablie, tout dépend des tableaux, de ce que j’ai envie d’exprimer avec plus ou moins de violence, d’énergie. Mais si je devais mettre en avant un élément, je dirais que le plus important c’est la couleur. Pour moi, la couleur est au moins la moitié de la peinture.

Dans ce rapport à la couleur et dans le choix du motif des fleurs par exemple, quelles sont vos sources d’inspiration ?

J’ai toujours eu une grande passion pour la tradition coréenne dans le domaine des arts décoratifs. Les vêtements des femmes, les motifs qui ornent leurs robes constituent un réservoir extrêmement riche du point de vue de la diversité et de la vivacité des couleurs. Mais cela dit, je m’intéresse tout aussi bien au mobilier ou à la céramique. Ce qu’il y a de bien avec la tradition, c’est qu’on part de quelque chose qui existe, de figé dans le temps, et qui en même temps peut ouvrir des portes à des choses nouvelles, offrir de nouvelles perspectives. Mais je le répète ce qui m’importe le plus ce sont les couleurs, l’énergie qu’elles dégagent et peu importe d’où elles viennent, de la tradition ou de la nature, tout me nourrit. J’absorbe tout ce qui vient de l’extérieur. Tout ce qui peut constituer un élément pictural.

Vous pouvez lire la suite de cet entretien ici.

 

Musée national des arts asiatiques – Guimet
6, place d’Iéna, 75116 Paris


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